EL CIRUELO MECÁNICO

-KING KONG.- De Peter Jackson me divierten “Mal gusto”, hecha con dos duros y mucha eficacia, “Braindead”, igual de eficaz y ya con más presupuesto…y “Criaturas celestiales” me parece una de las historias más mágicas y perturbadoras de los 90, con una debutante Kate Winslet sobrecogedora y con un carisma impropio de una primeriza.

Incluso me parece que “The Frighteners” es una dignísima comedia negra, una hermana cabrona de Casper.

Pero llegó la megalomanía y Jackson me decepcionó con su soporífera, cargante, exagerada y asqueante trilogía Tolkiana. Pero bueno, para gustos colores.^

Soy de los que piensan que si un director hizo una gran película una vez puede volver a hacerla por mucha mierda que perpetre por el camino; entre eso y que King Kong siempre me ha atraído tenía ya ganas de ver lo que el amigo Pedro había hecho.

Ante todo dejar claro que esta peli es para verse en cine, a poder ser con un sistema de audio de los buenos, o en casa si tienes un pantallón de plasma y un home cinema de esos que se pagan a plazos.

La historia es la conocida, director soñador y determinado convence a actriz buenorra en paro para ir a una isla a filmar una película, allí son descubiertos por una tribu que secuestra a la chica para ofrecérsela a un gorila gigante, el gorila se enamora de la chica, que grita mucho pero luego va cogiéndole cariño. El director se las ingenia para llevar al gorilón a New York para forrarse…el gorila se mosquea y acaba con la actriz buenorra en el Empire State (en la  fétida versión de los 70 era en las Torres Gemelas). Llegan los aviones, se monta un escándalo y el gorila se muere. Una letras parriba y se acabó.

Naomi Watts sigue siendo muy sexual haga el papel que haga, y eso que si te fijas bien no es especialmente guapa ni tiene un cuerpo espectacular, incluso tiene una nariz de payaso y unos pezones como balones. Me parece que está muy bien cuando grita y en el principio, el viaje en el barco. Pero con el gorila no me la creo, no sé si es por su culpa o porque el personaje está mal desarrollado. El caso es que no sabes  si está enamorada, si se ríe por no cabrearle, por qué hace tanto el tonto…

Adrien Brody es un gran actor cuando tiene que sufrir y ser intenso, pero tiene la tendencia a verse guapo y en esta peli va de ello, y a mi no me convence porque me hace gracia ver a un feo haciendo de guapo. Realmente creo que hay mejores actores para su papel, no por ello mejores actores que él. Personalmente Jeff Goldblum da muy bien como intelectual que se mete a aventurero, y además me parece un actorazo desaprovechado.

Jack Black me parece un grande, como actor, cómico, cantante o lo que haga; pero en esta peli me pasa algo raro, que no sé si está de cachondeo o en serio, tengo su imagen en comedias y todos sus gestos los interpreto desde la comedia. Aún así me parece el mejor elegido para el papel.

Los secundarios al menos no molestan, aunque me sobra la historia del marinero negro y el chaval que hizo Billy Elliot (Jaime Bell…es verle la cara y le recuerdo dando saltos como un gilipollas por las calles…vaya película me dio con los bailoteos de epiléptico).

De todos modos en esta película los actores son justificaciones, porque el protagonismo es para los efectos especiales, sobre todo para King Kong, que es lo mejor de la película con diferencia.

También deslumbra la isla, el New York de los 30 totalmente realista y espectacular, los dinosaurios, acojonantes…se podría decir que es una obra de arte que sin actores reales habría sido mejor.

En fin, una lección de cine de aventuras, de ritmo bien llevado (son 3 horas y prácticamente ni te enteras) y de tics del Jackson primerizo (el encuentro con la tribu luce la frialdad, la luz y el agobio de sus gores).

Recomendable.

-ELSA&FRED.- Lo decía Cela una vez que le asaltó una periodista del corazón, que eso de coger a la gente a Benidorm cuando se jubila para que bailoteen en chándal es una vergüenza, que se pueden hacer muchísimas cosas  antes que dejarse llevar hacía lo que se supone que hace un pobre viejo.

Estamos perdiendo el contacto con los mayores, los abuelos ya no sirven para hablar, nadie les hace caso. Está establecido, los ancianos tienen que estar enfermos o casi, atiborrarse de pastillas y quejarse.

Esta maravilla de película cuenta a las claras lo que piensa de este panorama: que y una polla, que cuanto más se acerque el final de la vida más hay que disfrutarla, que es una lástima desperdiciar encerrado toda la sabiduría y experiencia acumulada

Si la historia en sí se basta para emocionar, hacer reir y llorar con su sencilla y deslumbrante realidad, el trabajo de China Zorrilla y Manuel Alexandre la elevan más allá de lo escrito.

Sus escenas les borran como intérpretes, son Elsa y Alfredo, dos personas mayores que se enamoran, que deciden compartir todo por encima de viudedades e hijos escandalizados. Y lo hacen a su ritmo, porque están enamorados y saben que no tiene 20 años, que no pueden ir poco a poco, como en sus tiempos, se pueden saltar algunos capítulos para ir al grano, a vivir.

En un momento dado, la hija de Alfredo (Blanca Portillo) ve que su padre ha cambiado y le pregunta si se está dejando morir, y él le contesta “No, me estoy dejando vivir”. Ese es el mensaje de esa película, deberían pasarla en las salas de baile de Benidorm, los hogares del jubilado, los bares…a ver si nos enteramos que hay tiempo para que nos llegue la muerte, que no hace falta ir a esperarla. Que nos busque ella, y que le cueste.

-LA MUJER EXPLOSIVA.- Siglos sin ver esta peli de culto de los 80, un producto más de la factoría John Huges. Esta peli fue el empujón definitivo para el despertar sexual de muchos chicos, entre los que me incluyo.

La idea de poder crear una mujer a tu gusto con el ordenador y que cobre vida es la fantasía perfecta para cualquier adolescente ( y no adolescente). Te sentías identificado con los dos pardillos puteados en la escuela y veías su triunfo como tuyo.

Aún me persigue la fascinante imagen de la puerta que explota, la niebla y las luces rosas y Kelly Lebrock apareciendo en bragas y con una camiseta recortada justo por debajo de los pechos. Dios, solamente por eso esta película merece un lugar en el Olimpo del cine.

También he vuelto a ver al Robert Downey Jr de sus comienzos, siempre haciendo de guaperas alocado y outsider. Siempre he dicho que en “Rebeldes” sobraba Cruise y falta Downey Jr, pero bueno, un error lo tiene cualquiera, hasta Coppola.

Lo dicho, si queréis recordar lo tremendamente buena que estaba Kelly Lebrock y reíros de los cardados, los bombachos y las chaquetas arremangadas esta es la peli.

Por cierto, anteayer volví a ver “Al diablo con el diablo” para recordar lo follable que estaba Liz Hurley y mi conclusión fue que si ese papel lo hubiera hecho Kelly Lebrock los cámaras habrían muerto como moscas del calentón.

-ESENCIA DE MUJER.- Creo que desde hace años se está siendo injusto con Al Pacino, yo el primero; se ha creado la idea de que hace siglos que dejó de hacer buenas interpretaciones y me parece que, pensándolo bien, eso es aplicable a De Niro (creo que lo último grande que hizo fue Casino, y de eso hace mucho tiempo) pero no a Pacino, que ha hecho mierdas pero también cosas interesantes como “Atrapado por su pasado”, “Insomnio”, “Simone”, la interesantísima “Looking for Richard” o la reciente “El mercader de Venecia”. Creo que Pacino no ha perdido el rumbo en ningún momento y sigue haciendo cosas importantes, a su bola.

La primera vez que vi “Esencia de mujer” la menosprecié porque me pareció una vergüenza que le dieran el Oscar por ese papel y no por su grandioso Michael Corleone, “Tarde de Perros”, “Pánico en Needle Park” o “Scarface”. Sigo pensando lo mismo, pero matizado, porque creo que debería tener algún Oscar más, pero también el que tiene por “Esencia de mujer” (también me parece sangrante que De Niro tenga sólo un Oscar principal y uno secundario teniendo “Taxi Driver”, “Despertares”, “Uno de los Nuestros”, “Érase una vez en América” o “Malas Calles”).

Es una película muy bien rodada, se ve con facilidad y en ningún momento se hace incómoda, y eso que contando lo que cuenta podría caerse con facilidad en el feísmo o la exageración.

Por eso mismo me parece tan difícil la interpretación, porque logra que un personaje odioso llegue a despertar compasión y complicidad. Encuentra el equilibrio entre el cinismo y la necesidad de cariño. Realmente es una gran interpretación en la que lo que menos importa es que sea ciego.

En fin, es una película que siempre viene bien, pese a Chris O’Donell.

Reúnes en el mismo proyecto a Dustin Hoffman, Lily Tomlin, Naomi Watts, Mark Whalkberg (como se escriba), Jason Schwartzman (lo mismo que el otro) e Isabelle Huppert, para dirigirlos pillas a David O. Rusell, que se había pensado mucho el siguiente proyecto después de sorprender con la cojonuda “Tres Reyes”. Tendría que salir bien, no?

Pues no.

Me da que a raíz de “Tres Reyes” Russell se haría coleguita de Spike Jonze, que en esa peli era uno de los protagonistas, y que acabó conociendo a Charlie Kauffman, guionista de las dos películas de Jonze y de la que está preparando.

Claro, si ves esas dos películas del tándem Kauffman-Jonze (“Cómo ser John Malkovich” y “Adaptation”) y eres un director de cine pues sientes envidia, y la envidia a veces puede ocultarte evidencias del tipo no-eres-Jonze o no-tienes-a-Kauffman; esto es lo que ha pasado, Russell ha sido el primero en intentar hacer una peli “tipo Kauffman”, algo que yo llevaba tiempo esperando, quién sería el primero en intentarlo.

Hay una cosa evidente, y es que si quieres hacer una película loca, extraña, bella, profunda, extravagante…es decir, a lo Kauffman, necesitas a Charlie Kauffman, si no harás un quiero y no puedo.

La cosa es, resumiendo mucho, que Hoffman y Tomlin son pareja y detectives espirituales, se dedican a solucionar los problemas de personalidad, angustias, alteraciones emocionales, traumas…arreglan el alma despojando a sus clientes de la realidad construida para que vean su realidad verdadera…y eso es resumiendo.

La película es un sinsentido, pero ridículo, hay sinsentidos hermosos, pero este nada de nada, busca lo raro por raro, y eso no tiene mérito ni un fin atractivo. Tiene sus puntos, pero se deben a que el reparto está mas allá de la película y se esfuerza en dar vida a personajes que de por sí carecen de ella.

Bueno, uno de los puntos que me gustaron fue que el personaje de Mark Whalkberg es bombero pero al estar en contra del uso del petróleo va a los incendios en bici mientras sus compis van en el camión.

También destaco a Naomi Watts, que está entregada como siempre, se vacía en cualquier personaje merezca o no la pena. Y además es que está tremenda, escandalosa y lujuriosamente maciza, solamente ver su primera aparición, grabando un anuncio haciendo posturitas..aaah, merece mucho la pena.

También aparece un momentín Talia Shire, desaparecida hace tiempo…claro, la que fuera chica de Rocky y hermana de Michael Corleone es hermana en la vida real de Coppola y, por lo tanto, tía de Jason Schwarzman.

En resúmen, no puedo decir que es una mierda de peli, no se por qué; es un sinsentido, una ridiculez, un intento fallido…pero la he acabado de ver, será por el reparto, por el mero hecho de imitar a Kauffman…lo que sea, pero si quereis ver una paja mental y admirar el  culo de la Watts, adelante.

El debut de Neil Marshall, “Dog Soldiers”, era un ejercicio de exageración, cachondeo y sangre que dejan un regustillo a serie B de terror que siempre se agradece y recuerda.

En esta segunda película, “The Descent”, Marshall se olvida del humor macabro de la primera, y si en aquella todo eran machotes y solo aparecía una chica (aunque muy guerrera y peligrosa) aquí se invierte el rollo, y es que todas son mujeres valientes, fuertes, buenorras e independientes, y solo sale un hombre, y dura poquito el pobre.

Creo que “The Descent” es el negativo de “Dog Soldiers”, lo que en esa era humor aquí es pánico seco y duro, lo que en esa era una aventura de maromos aquí es una pesadilla de maromas, lo que allí eran bosques inmensos (y una mansión) aquí  es una cueva negra como los cojones de un grillo.

Por un lado me ha parecido terrorífica la peli, si me pongo en el lugar de los personajes, además lo más perturbador es la posibilidad real de que algo así pueda pasar, no me parece tan fantástico.

Pero creo que esta película no es una de esas que se te quedan grabadas en la cabeza para siempre como puede pasar con “El exorcista” o “El resplandor”, y es que todos hemos estado alguna vez en un hotel y vivimos en una casa, y tenemos un cuerpo en el que puede entrar algo en un momento dado. Pero en lo que a mí respecta, lo que pueda pasar en las cuevas subterráneas del planeta me la suda bastante, porque no pienso bajar a verlo.

Realmente pienso que “The Descent” será para los espeleólogos y aventureros lo que “Tiburón” fue para los submarinistas y bañistas en general. Es más, si algún aficionado a las cuevas lee esto, NO VEAS ESTA PELÍCULA, HAZME CASO, ALMA EN PENA.

Avisados quedáis, mientras estéis al aire libre no pasa nada…aunque…no sé…cuando se cierran los ojos…se ve todo negro…muy negro…¡¡¡BUUU!!!

Que susto, verdad?

Siempre me ha gustado el cine argentino, el poco que he visto, y es que me encanta la forma de hablar que tienen allí, tan melodiosa, correcta, cachonda...un argentino te puede estar diciendo que eres un tonto a las 3 y que se tira a tu novia y le sonreirías. Pues eso, me gusta mucho el cine argentino, su naturalidad, sus actores (Ricardo Darín o Leonardo Sbaraglia me parecen sobrebios, sobre Sbaraglia recomiendo a quien no la haya visto "En la ciudad sin límites").

El otro día, buceando en busca de subtítulos en una página argentina, me tropecé con "La noche de los lápices", de 1986, la puse a bajar porque en el reparto figuraba Sbaraglia, y siendo de 1986  tendría unos 16 años (después he comprobado que fue su primera película). El caso es que después de verla me ha parecido interesantísima, todos los chavales que la protragonizan son muy naturales y el tema siempre me ha interesado y horrorizado.

La película empieza en 1975, cuando un grupo de estudiantes se manifiesta por la instauración de un carnet de estudiante, al final se consigue y claro, estan muy contentos. Pero en 1976 tiene ligar el golpe de estado y comienza el oscuro periodo de la dictadura militar. Lo primero que la dictadura deja claro en las escuelas es que allí estan para estudiar, no para sindicarse, quejarse y tocar las pelotas, así que todo pinta para que el carnet recién conseguido se vaya por donde ha venido. El grupito protagonista entra una noche en la escuela y la llena de pintadas y carteles en contra de la supresión del carnet. Quién sabe como la policia se entera y los secuestra a todos, enhtra en sus casas de noche y se los lleva, algo que´era corriente en esa dictadura. Miles de personas fueron secuestradas por el gobierno, torturadas y asesinadas sin que aún hoy día se sepa nada al respecto. Y es que si es el poder el que secuestra y mata a quién le reclamas?

Son todos secuestrados, humillados, torturados...una atrocidad. El caso de este grupo de amigos es real como la vida misma, y son solo un grupo dentro de los casi 300 adolescentes secuestrados durantes esos años. Y aparte mujeres, hombre y niños corrieron la misma suerte. Conocido es por todos el caso de Juan Diego Botto, cuyo padre es uno de los desaparecidos de la dictadura.

Estoy bajándome la historia oficial y garage olimpo, quisiera me recomendarais más películas y documentales sobre el tema.

Por cierto, la película se basa en un libro homónimo escrito a cuatro manos (o dos, no se) por María Seoane y Hector Ruiz Nuñez. Agradecería cualquier información sobre cómo conseguirlo en España.

Quien haya echado un vistazo por esta categoría de cine que tan abandonada tengo habrá incluido al menos mi admiración por Daniel Day-Lewis. Como el hombre curra lo justo una nueva película suya es todo un acontecimiento para mí. Jode que no trabaje más, pero si no fuera tan selectivo seguramente no tendría una filmografía tan cojonuda. Pues nada, poco después de estrenarse “Gangs of New York” leí que iba a protagonizar una película escrita y dirigida por su mujer, Rebeca Millar (hija del dramaturgo Arthur Millar); desde entonces iba tropezando con referencias a la película, incluida su proyección en Venecia con las correspondientes buenas críticas para Day-Lewis y la película en su conjunto. Pues el otro día buceaba por alguna de las páginas de subtítulos que suelo visitar y tropecé, en la sección de nuevas aportaciones, con los subtítulos de esta película. Fue un sorpresón, porque no se había dicho nada sobre cuándo se estrenaría…así que investigué un poquillo y vi que aquí la tendremos a finales de octubre. Aquí solo se estrenan a la vez que en USA las putas superproducciones, y como no m parece justo pues ya he visto la película…he ido este finde a un viejo cine de Minessota, claro.

Lo primero que me ha venido a la cabeza después de verla es que si la hubiera dirigido Bertolucci habría sido la hostia, porque la historia y la ambientación me recuerda, sobre todo, a “Belleza robada”.

Es la historia de un hombre enfermo del corazón que vive con su hija en una casita que es el único recuerdo de una antigua comuna hippy en la que este hombre vivió con su esposa y su hija; primero le abandonó su mujer, y luego los demás, la comuna fue encogiéndose con el paso de los años y ahora son él y su hija adolescente el único reflejo obstinado de esos tiempos. La casa está en una isla muy cercana a la costa este de Estados Unidos. Padre e hija viven en un mundo aparte, relajados y felices, hasta que tocan el tema de la cercana muerte de él.

Jack, el padre (Day-Lewis), tiene un romance en tierra firme con una mujer que vive sola con sus 2 hijos adolescentes. Él no quiere que su hija se tenga que ocupar de la casa y de él sola, así que da a su novia la posibilidad de que se vaya con sus hijos a vivir con él y con su hija.

Todo cambia, ya no están solos y no es fácil la convivencia. Rose, la hija, se da cuenta de lo que hay más allá, decide cambiar algunas cosas, es consciente de que para los demás es rara…es todo un viaje veloz, quemando etapas entre padre e hija, hiriéndose mutuamente en el camino…queriéndose en todo el trayecto.

Es una película de lágrima, pero muy cómoda de ver, tiene un ritmo fluido y una fotografía luminosa y colorista. Lo mejor, e intento ser objetivo, es Day-Lewis, que huye del histrionismo y da un recital de miradas con la expresa los sentimientos que haga falta. A destacar la visita al constructor, un rescatado y secundario Beau Bridges. También conmueve Catherine Keener, la que era una femme fatale en “cómo ser John malkovich” aquí es una mujer joven con 2 hijos de diferentes padres que se enfrenta a su rechazo y a la experiencia de vivir con un novio moribundo e hija herida. Todo los jovencillos están bien, incluida la interesante Jena Malone, que sabe elegir sus películas (memorable “Donnie Darko”).Papelín para Jason Lee, un todoterreno. Y ya está, no hay más actores, si no cuento mal son 9, y no se echa de menos ninguno más.

Película muy recomendable, si sois moralistas y aceptáis nuestro puesto como tercer mundo en la distribución cinematográfica podéis esperar a finales de octubre, si no se retrasa el estreno. Pero bueno, es una película que no gana nada en pantalla grande y si, el cine es más caro en Francia o Inglaterra, pero también son mucho más altos los sueldos. Si no sois moralistas ya sabéis que se puede ver de algunas formas…ciao.

Desde que Lynch me hipnotizó con "Mulholland Drive" han pasado unos 3 años mínimo  y sigo, supongo que no sólo yo, esperando su nuevo trabajo, que parece no llegará hasta el próximo año. Desde hace ya bastante tiempo tenía conocimiento de que había grabado una miniserie con las dos protas de "Mullholand Drive", Laura Elena Harring y Naomi Watts, y Scott Coffey  llamada "Rabbits". Sabía también que esa miniserie (muy mini, en total son 41 minutos) no se va a ver en la tele ni en cines…la "única" manera de verla es en la web de Lynch, previo pago. Eso de que el tito David quiera cobrarnos por ver algo en su web me parece poco serio, porque no creo que llegue justito a fin de mes, y muchos de nosotros sí; pero soy admirador de su mundo, y por eso he esperado muchos meses a que se hartara de racanear y poder ver "Rabbits" en su web sin pagar na de na. Pues nada, hace una semana la cosa seguía igual, así que la he visto, hasta con subtítulos, por la face, pero claro, no en su web .

Y una cosa está clara, por un lado acerté al no rendirme y pagar en la web por verla, pero por otro lado me arrepiento. Me explico, hice bien en no verla pagando en la web porque aún estaría llorando por el gasto, pero me arrepiento por haber estado tantos meses deseando verla…y es que, no la he entendido, o es muy profunda, o yo soy muy corto o ambas cosas.

La cosa es poco mas de 40 minutos con una cámara fija enfocando un escenario que representa el salón de una casa, con un sofá, una mesilla con una lámpara, otra con un teléfono, una lámpara de pie y una tabla de planchar con su correspondiente plancha; hay un arco que se supone da lugar al resto de la casa. Los protagonistas son 2 tías vestidas de coneja, pero con bata casi desabrochada una y vestidito rosa la otra, y un tío también conejo con traje de chaqueta. Se dicen cosas sin sentido, creo que un diálogo desordenado, de vez en cuando una de las conejas se pira, vuelve con una vela en cada mano y todo se pone rojo y se oye una voz profunda que habla en una lengua desconocida…el conejo de vez en cuando sale de la casa, y siempre que vuelve el público invisible le aplaude, ese  mismo público se ríe ante algunas frases…y claro, todo lo que hacen y dicen lo hacen y dicen con mucha pachorra, todo es lentísimo. No sé, yo he estado esperando algo hasta el final, y nada, me quedado igual. Y no se, el cine de Lynch me maravilla, no me preocupo por entenderlo, pero es que "Rabbits" ni lo he entendido ni me ha maravillado…me ha parecido un timo. Pero si alguien lo ve y lo entiende que me lo explique, please. Y si a alguien le gusta tirar el dinero que entre en www.davidlynch.com y pague por verlo.

Bueno, como ya dije, voy a recordar más interpretaciones que me impactaron en su momento. Por ahora Gibson y Whitequeen se han interesado por este tema, pero claro, son un amigo y mi novia, así que por lo demás no parece que haya tenido muy buena acogida…ce la vie.

Ray Liotta en "Uno de los nuestros".-Para muchos la última obra maestra de Scorsese, aunque para mí no queda muy lejos el nivel de "Casino", que es una película complementaria con esta y una nueva exhibición de Marty en el arte de presentar personajes y escenarios con cámaras que corren por pasillos y entran en habitaciones, son nuestros ojos que se cuelan en la vida de los personajes; quedan pocos directores que dominen con tal perfección los planos secuencia (véase "Sed de mal" de Welles, y la esperanza de Thomas Anderson en "Boogie Nights" y "Magnolia"). Pero bueno, en esta película me impresionó Ray Liotta, perfecto en su papel de gangster chulito que asciende en la mafia, que se va crispando a medida que la cosa  le va quedando demasiado grande. Magistral el tramo en el que se obsesiona con el helicóptero que le vigila, o cómo se derrumba aterrorizado cuando su mujer tira la droga por el retrete. Ya ha demostrado que cuando es bien dirigido puede ser muy convincente, además lleva muchos años en el oficio y cada vez se le ve más cómodo, con más recursos. Tenía un papelón en una película cuyo título no recuerdo ahora mismo junto a Kurt Rusell y Madeleine Stowne, en la que era un policía violento y cada vez más psicótico. También está la genial escena de "Hannibal" , la cena final con Liotta y Julianne Moore, de la cuál no voy a desvelar nada por la gente que no la haya visto, pero el caso es que en esa cena Liotta está muy muy convincente.

-Don Cheadle en "Traffic".- Este actor siempre me ha impresionado, desde que le vi, aunque salía poco era crucial en la trama, en "Colors (colores de guerra)", esa gran película de Denni Hopper. En Traffic es difícil destacar porque el nivel interpretativo es muy alto, incluso en el caso de Michael Douglas, más cuando el papel es secundario; pero Cheadle, al igual que su compi Luis Guzmán, lo bordan y hacen de cada una de sus escenas una exhibición de cómo transmitir al público. Destaco la aparición final de Cheadle en la película, cuando sale de la casa, cómo se transmuta se cura de la rabia a la sonrisa por el trabajo bien hecho. No se, creo que tiene una cara muy expresiva y cuando le han dado un papel protagonista (como "Hotel Rwanda") ha demostrado que es un grande, aunque en la promoción de Ocean"s Twelve no le dejaran posar con los guay en las principales fotos.

-Adam Sandler en "Embriagado de amor".- Ya habréis notado que me gusta mucho Paul Thomas Anderson, porque ha hecho 3 películas y las 3 tienen un nivel altísimo en muchos aspectos, entre ellos la dirección actoral. Si en "Boggie Nights" hizo de uno de los peores actores de todos los tiempos (BurtReynolds) un merecido aspirante al Oscar y en "Magnolia" mostró la mejor interpretación de Tom Cruise con mucha diferencia, en "Embriagado de amor" deja patente algo que yo venía sospechando…que Adam Sandler no es un simple payasen, que tiene mucho talento. Su composición en esta película es memorable, crea un personaje excéntrico, extraño…con el que es fácil identificarse. Un tío aburrido de su vida, de su familia, harto de que le llamen raro, de que le controlen…y cómo va dejando salir su personalidad, hasta estallar  contra un timador  gangsteril de tres al cuarto. El rumor que circula es que es posible que Paul Thomas Anderson pueda contar para su próximo proyecto con Daniel Day-Lewis…espero ansioso.

-Jim Carrey en "Un loco a domicilio".-Esta película, dirigida por el gran Ben Stiller, creo que una gran incomprendida. La gente cuando va a verla espera un show histriónico de Carrey sin más, y cuando se encuentran con una historia y un trasfondo más bien serio se aburren. A raíz de esta película y un telefilm que vi en Antena 3 en la que Carrey era un alcohólico se formó en mi mente la idea de que Jim Carrey es un grandísimo actor, entre los grandes. El decir eso ha provocado siempre burlas y desprecio, sobre todo por parte de snobs de los que dicen que el gran cine era el de blanco y negro, pero con el tiempo creo que Carrey ha ido cerrando muchas bocas. Todas menos las de los vejetes que dan los Oscar, pero los Oscar personalmente me importan bastante poco.

-Jim Carrey en "El show de Truman".- Excelente película de Peter Weir, aunque creo que el tema era tan serio realmente que le faltaba un poco de mala hostia de verdad, sin maquillaje. Carrey demostró que sin sus muecas también es un gran actor y hasta ganó el Globo de Oro y fue nominado al Oscar. Probablemente el Oscar se lo den cuando sea un anciano que haga una película sobre lo viejísimo que es.

-Jim Carrey en "Man on the Moon".-Antes de ver esta película me metí en Internet para saber quién era Andy Kauffman para poder ver si Carrey realmente se metía en su piel, porque en España Kauffman es un desconocido (los tres Kauffman lo son: Lloyd, cachondo fundador de Troma, Andy y Charlie, hoy por hoy el guionista más extraño y genial). Y sí, Carrey se transforma en Kauffman, se puede decir que Carrey desaparece dentro de Andy Kaufman. Como siempre, o casi siempre, esta película hay que verla en versión original para apreciar el trabajo de Carrey en toda su grandeza.

-Jim Carrey en "Olvídate de mí".- Aquí Carrey se encuentra con otro Kauffman, esta vez Charlie, que regala otro guión mágico y redondo. Kate Winslet  borda su papel, una chica desinhibida que es toda pasión y neurosis. Y Carrey vuelve  a dejar sus muecas en el perchero para crear un personaje desorientado, aturdido, superado por las circunstancias. Un tío real que lucha en unas circunstancias absolutamente delirantes que no comprende pero que quiere derrotar. Grandísima película, a destacar la huida de Carrey a su infancia, con Winslet como canguro sementera.

-Ellen Burstyn en "Réquiem por un sueño".- Para saber más sobre esta obra maestra podéis leer una crítica acertadísima en http://whitequeen.zoomblog.com . Todos los actores están cojonudos, pero destaco a Jennifer Connelly que desde pequeña logró demostrar que era mucho más que una preciosidad y a Ellen Burstyn, conocida sobre todo por ser la madre de Linda Blair en "El exorcista". En esta película es una marujilla amargada que sufre por su hijo drogata y acaba siendo una pastillera que cae en lo más hondo, rompiendo el corazón a quien ve la película. La última media hora es, junto con la francesa "Irreversible",  la cosa más fuerte e impactante que he visto en una pantalla, una bajada a los infiernos sin tregua.

-Nicolas Cage en "Leaving Las Vegas".- Nicolas Cage es un cansino, estoy de acuerdo, histriónico y repetitivo. Pero al Cesar lo que es del Cesar, en esta película realizó una interpretación que pasará a los anales (bueno, lo de anal le corresponde más a Elizabeth Sue, también espléndida) de la historia del cine. Supongo que su conocida afición juvenil a los excesos le sirvió para retratar a un alcohólico suicida, con sus temblores, delirios, arrepentimientos y satisfacciones. Me sigue impresionando la realidad que inunda la interpretación de Cage y por extensión la película.

Bueno, seguiré recordando más interpretaciones, porque hay muchas más. Sigo animando a que opinéis, y sobre todo que digáis cuáles son las interpretaciones que os han llegado, sea por lo que sea.

Hay interpretaciones que me han impresionado, algunas en actores o actrices que siempre me han gustado, otras en actores o actrices que ni me gustaban ni me gustan, con la excepción de la interpretación en cuestión…no se, quiero decir algunas interpretaciones que me han parecido impresionantes y me  gustaría que comentarais en cuáles estáis de acuerdo y en cuáles no y, claro, qué interpretaciones os han interpretado a vosotros.

-Daniel Day Lewis en “Mi pie izquierdo”.-La primera vez que vi esta película no sabía quién era Day-Lewis y estaba seguro de que el protagonista era el personaje real en cuya vida se basaba. Cuando vi la entrega de los oscar y ganó me quedé de piedra al ver que andaba, que no tenía nada que ver con cómo aparecía en la película. Cada vez que vuelvo a verla, ya conociendo a Day Lewis, no puedo evitar sentirme maravillado.

-Daniel Day Lewis en “En el nombre del padre”.-La película en sí me parece una obra maestra, la historia real me llega muy adentro, pensar en lo que tuvo que pasar esa gente me indigna. Ver como Daniel (hay confianza, jeje) pasa de ser un chaval inmaduro e inconsciente a un hombre herido y determinado es toda una experiencia. Destaco la escena en la que, sentado en su celda, se queda mirando cómo gotea un grifo y dice que cada vez que cierra los ojos, al abrirlos, han pasado años…pierde la cabeza, comienza a enrollarse una cinta en la cabeza, destroza la celda, gritando de desesperación…es un hombre inocente que lleva años en la cárcel, que ha perdido a su padre inocente (impresionante también Pete Postlewite) en esa misma cárcel. Cada vez que veo esa escena se me ponen los pelos de punta.

-Daniel Day Lewis en “Gangs of New York”.-Soy un admirador de Scorsese, me parece hoy por hoy el Mayor director vivo y en activo, sigue aguantando los empujones de los geniecillos que empiezan a despuntar (mención especial a Paul Thomas Anderson). En esta película pagó la tiranía de los productores de Hollywood, que mutilaron la película con fines comerciales, quién sap si algún día se podrá ver la película que Scorsese había pensado. El resultado es una gran película, y en gran parte debe su grandeza a Daniel, que crea un Bill “El carnicero” tan real y poderoso que acojona. Usa su presencia física y un repertorio gestual que hacen de su personaje un animal siempre alerta, que usa las máscaras del dando, el político, el amante…pero que no deja que olvides que como intentes hacerle algo te va a destrozar. En mi opinión, el villano más real de la historia del cine.

-Robert de Niro en “Malas calles”.- En esta película la estrella era Harvey Keitel, que con sus paranoias y adiciones se ha quedado en un secundario de lujo (con lujosas excepciones como “Teniente Corrupto”, de Abel Ferrara). Robert de Niro era el secundario que ganaba por goleada en todas sus escenas, un chaval flaquísimo y nervioso, un quinqui que se dedica a timar a la gente y acostumbrado a que le saquen las castañas del fuego. A destacar la escena en la que la cámara le persigue, huyendo de una cita en la que tiene que pagar una deuda, corriendo por las callejuelas del bronx, en punto de ebullición. Ya entonces se veía que ese chaval era una fuerza de la naturaleza que rasgaba la pantalla.

-Robert de Niro en “Taxi Driver”.-Aunque depende del momento en que me lo pregunten normalmente suelo decir que esta es la mejor interpretación que he visto en mi vida. De Niro se convierte en Travis Bickle y desaparece en él, enloquece poco a poco ante nuestros ojos, sin trucos, adelgaza, palidece (en el rodaje la gente estaba asustada, porque De Niro pasaba días sin dormir ni comer para resultar más creíble) y su mirada es cada vez más alucinada. En el tiroteo se mueve como un robot, siempre adelante, ciego ante la misión que se ha atribuido y en un primer plano sonríe satisfecho y suicida al psicópata que le había poseído formando una pistola con su mano. Antológica la escena ante el espejo (¿are you talking to me?) ,por cierto, fue una improvisación que Scorsese, alucinado, decidió incluir en el montaje final.

-Robert de Niro en “El Padrino II”.-Coppola, otro maestro que parece haber dejado el cine por los vinos (los vende, no es que se haya dado a los pedos), ya hizo una prueba a de Niro para interpretar a Sonny Santino Corleone en la primera parte (al final el papel fue para James Caan, que lo bordó) y quedó tan impresionado que le reservó el Vito Corleone joven que pensaba retratar en la parte II (o eso dice en algunas entrevistas). Era difícil tomar un papel que le había dado un oscar a Brando y que ya había pasado a la historia, era un reto y los retos son los que han hecho a de Niro tan grande (quizás por eso lleva como 10 años haciendo el ridículo,por falta d retos o porque no le apetece afrontarlos). Yo soy un firme defensor del cine en versión original, no se puede valorar una interpretación sin oír al actor; en este caso es obligatorio escuchar al joven Vito con su voz original, porque el trabajo de de Niro es increíble por cómo clava el tono, el timbre y el acento de Brando, es más, los lleva unos años atrás, los rejuvenece sin perder la esencia. Magistral Bobby.

-Robert de Niro en “Toro Salvaje”.-Un reto gigante que de Niro salva con una interpretación mágica. Se convierte en un boxeador de cuerpo perfecto y hace de los combates luchas épicas avasalladoras, pierde la cabeza en su vida doméstica, comido por los celos y las paranoias…se amarga hasta convertirse en un obeso dueño de club que anhela sus años de éxito e intenta engañarse a sí mismo diciéndose que es muy feliz. Lo único que perdió de Niro con esta película (ganó su único oscar a actor principal, tiene uno a actor secundario por  “El padrino II”) fue el metabolismo, porque la burrada que hizo para amoldar su cuerpo al boxeo y en unos meses cargarlo con unos 20 kilos más le cambiaron el cuerpo para siempre. Solo hay que ver sus papeles anteriores y los posteriores, pasó a se mucho más ancho, si bien siempre se ha mantenido en forma.

-Kevin Spacey en “Sospechosos habituales”.-En toda la película él sabe quién es Keyzer Soze pero te cuenta toda la historia, le ves la cara muy de cerca, estudias sus gestos, sus miradas…y no lo adivinas. Un auténtico recital.

-Robert Downey Jr en “Chaplin”.-“Suplantar” a un genio tan inmenso como fue Charles Chaplin para un imposible, pero Downey Jr demostró que tan imposible con era y que, si no fuera tan golfo, sería uno de los actores más capaces de los últimos 20 años. Realmente se transforma en Charlot, es difícil distinguirlos.

-Eduard Fernández en “Fausto 5.0”.-En mi opinión es el actor hispano más grande de la actualidad junto con Javier Bardem. Es la mirada más poderosa del cine actual, eso seguro, con los ojos sabe expresar lo que quiera, odio, amor, pena, poder, avaricia, fragilidad…tiene la virtud de hacer reales todos sus personajes, pero reales de verdad, cuando lo ves olvidas que es un actor interpretando. Habla como nosotros, se mueve como nosotros, y nos emociona como nadie. Tiene un carisma que espero no le arrastre a la fama frívola, aunque leyéndole y escuchándole me parece complicado que pase eso…me como las uñas esperando verle en la versión cinematográfica de “El metodo gronholm”. Habría sido un Michael Corleone aterrador, con toda mi admiración por Pacino.

-Eduard Fernández en “Smooking Room”.-Es una gozada tropezarte de vez en cuando con una película como esta, en la que los directores reparten unos personajes reales entre unos actores y les dejan transformarse en ellos. Absolutamente todo el reparto hace un trabajo insuperable, pero debo destacar a Eduard Fernández y a Antonio Dechent y su monólogo en la terraza del edificio…magistral.

-Val Kilmer en “The Doors”.-Se que mucha gente aborrece esta película, pero yo la he visto unas 30 veces y no deja de hipnotizarme. Influye bastante que me encanta el estilo desquiciado de Stone y la música de los Doors, particularmente Jim Morrison como pensador, poeta e icono e una época. Val Kilmer siempre me ha parecido un actor impresionante, aunque es cierto que ha hecho mucha mierda, de que antes se le menospreciaba por guapo y ahora por feo, pero hay gente para todo. Aquí se convierte en Jim Morrison, incluso canta como él en las actuaciones en directo (los compañeros de Morrison en The Doors no sabían diferenciar las voces de ambos, aunque eso me parece una exageración). Además parecen gemelos, y Kilmer parece borracho cuando Morrison bebe y colgado cuando Morrison se droga. Es una comunión absoluta entre actor y personaje.

-Val Kilmer en “Heat”.- Que Michael Mann no hace películas de acción al uso es evidente, sobre todo porque sus personajes no suelen ser planos y previsibles como los de Van Damme, Seagal y la madre que los parió. En esta película eso está claro, y los personajes principales nos enseñan como viven, lo que temen, lo que piensan…sobre todo el personaje de Kilmer, que compagina su eficiencia como atracador impertérrito y superprofesional con la angustia y la depresión de su vida privada. Kilmer se come a De Niro y Pacino, y eso no es algo que puedan decir muchos (bueno, a De niro últimamente se lo comería hasta Milikito).

Bueno, me duele ya el tarro de tanto pensar, seguiré recordando algunas interpretaciones más. Espero opiniones y más ejemplos. Hala, que cunda.

Cuando vi esta película ya tenía en la cabeza las críticas que había leído, en las que se criticaba un supuesto sibaritismo de Polanski, que no había arriesgado todo lo que podía; ahora no entiendo ninguna de esas críticas, por mucho que lo intente.
El holocausto, éxodo, horror de los guetos..han sido temas muy recurrentes en el cine de los ultimos 50 años (mención especial a "El gran Dictador", testimonio adelantado que ya cuenta con 63 años años de vida). entre todas esas muestras en celuloide me quedo con esta sin dudarlo, por su sinceridad, su falta de recursos evidentes y aséptica visión de aquellos hechos que jamás, jamás, se deben olvidar.
La primera parte de la película es un azote en la conciencia del espectador, una prueba de resistencia en al que se nos muestra el lento pero continuo deterioro de la situación en Varsovia con total frialdad, sin filtros emocionales tan propios de Spielberg (yo pienso que con Polanski la historia sde Schindler habría sido mejor película). En ningún momento se busca una reacción evidente del espectador, ningún superplano con fanfarrias para abrir la boca de la gente, ningún violin lastimero mostrando a un niño muerto....nada de eso, los niños aparecen muertos a montones, y los ancianos, las mujers, los hombres....pero son parte del paisaje, los ves pero no sientes que te digan "tienes que mirar esos, miralo".
Toda la primera parte está plagada de escenas brutales que no se avisan, porque realmente esas situaciones no se avisaban, ahí reside gran parte de su brutalidad (impactante a más no poder la escena del anciano en silla de ruedas).
A partir de la huida con ayuda de Szpilman de los trenes abarrotados comienza una segunda parte en la que la situación general de los judios ya ha desembocado en lo que todos sabemos; ahora asistimos a la degradación de un caballero cabal y siempre en su sitio que acaba deshumanizado, como un animal acosado.
Podríamos decir que comienza su particular odisea con un plano desolador y muy significativo en el que le vemos arrastrando los pies y sobrecogido, pequeño y solo entre las ruinas que fueron su barrio.
Es ayudado temporalmente por la resistencia semita, pero podemos ver representado perfectamente el conflico interno con el personaje del hombre que debe llevarle comida y que parace cada mucho tiempo, hasta que deja de parecer porque se ha llevado el dinero que recogió para ayudarle.
Magistrales las tomas desde la ventana, en las que asistios como voyeurs a una numantina resistencia y a un acoso brutal.
Quizás lo único reprochable es la apariencia del salvador que nadie espera y que tan poco me creo, aunque se supone que es un personaje real, y apareció e hizo tal como vemos (estoy buscando el libro, ya veremos).
Destaco por encima de todo el absolutamente genial en insuperable trabajo de Adrien Brody (26 añitos recién cumplidos), qu no cae en la grandilocuencia y encaja en el espíritu de la historia, resultando natural en sus miradas, palabras y actos, dejando entrever un tremendo trabajo interpretativo y físico (adelgazó muchísimo y estuvo unos meses aislado en una cabaña para entrar en la piel de Szpilman).
En definitiva, una película que se pedía a gritos, pienso que el testimonio perfecto sobre el horror del gueto de Varsovia contado por un niño del gueto de Varsovia (Polanski), sin trucos como el de pasarlo por un filtro cómico, melodramático,...no, aqui no hay filtros, aquí se nos dice lo que paso, loq ue hicieron los judios, lo que hicieron los nazis....y ahora nos toca sacar conclusiones, tomémonos el tiempo que nos haga falta, pero por favor, que sean conclusiones acertadas, está en juego un remake de la historia, esta vez fuera del celuloide.

Por cierto, Polanski habría sido dios si al final hubera aparecido un cartelito que rezara "Dedicada a George W.Bush, a Tony Blair, a Ariel Sharon y demás desinformados".
A ver si la ven, coño, a ver si la ven. Porque sus conclusiones, nos duela cuanto nos duela, nos afectan a todos.

Spike Jonze, que debuto a lo grande con esa maravilla llamada "Como ser john Malkovich" en la que dejaba en evidencia todos las peliculas repetitivas y remakes que se dedica a hacer Hollywood, demostrando que aun se puede ser original en el cine....recibió criticas diciendo que era suerte, que a ver que hacia despues de eso, que acabAria siendo uno mas en la maquinaria.
Pues no, Jonze vuelve a sorprender con algo que no te suena a nada, con una poesia hecha pelicula que te absorbe, te hace pensar, te hace reir, te hace llorar...un carrusell de sentimientos e imagenes preciosas.
Para muestra un botÓn...¿cuantas veces vemos en una peli que el prota se pregunta"¿Cómo he llegado hasta aqui?", muchas veces, claro, a veces se responde el mismo, a veces responde otro personaje, a veces recordamos el principio de su historia...lo que no hemos visto nunca, al menos yo, es que en respuesta a esa pregunta veamos un paisaje de erupciones, de lava ardiendo...con un cartel que nos dice que estamos 400 millones de años antes, y vemos a camara rapida como se hiela ese paisaje, luego crece la hierba, luego se forma el caldo de la vida, se forma un renacuajo que crece y sale a la tierra, de el surge otro animal, de ahi llegamos a los dinosaurios, vemos, como el meteorito los mata, como llega el mono, como vive, como se tarnsforma en hombre, como nace el protagonista en un primer plano de su cabeza saliendo...alucinante.
Toda la pelicula es un canto a la soledad, a la locura, a la adaptación de nosotros a lo que tenemos y a lo que llega, un continuo alante y atrás...la historia del guionista que debe adaptar un libro junto con la historia de como la autora del libro se documento para escribirlo, entablando una relacion con el protagonista del mismo....luego se juntan las historias, se separan....nos mueven.
Si quieres mas originalidad, toma siete tazas, porque resulta que el personaje protagonista de la pelicula es Charlie Kauffman, a la sazón el verdadero guionista de esta pelicula, asi como de la primera de Jonze "Como ser John Malkovich", acompañado de un hermano gemelo que el verdadero Kauffman no quiere aclarar si existe o no.
Ciertamente una pelicula tan alucinante gana con unas interpretaciones alucinantes, y aqui las tiene.
A mi Nicolas Cage habia dejado de gustarme, tiempo atrás lo consideraba un actor inmenso, pero sus peliculas de los ultimos años (sobre todo "City of angels" o "La roca")me habian convencido de que simplemente habia tendio una buena racha que le hacia parecer mejor de lo que era...pues en esta pelicula estaba inspirado, aqui interpretando a dos hermanos gemelos, uno hiperactivo, cachondo, optimista...y el otro siempre triste, siempre dudando, pesimista...y te crees a los dos. realmente bueno.
Chris cooper no es alguien nuevo en esto del cine, ya me habia llamado la atencion en algunas peliculas, sobre todo en "American Beauty", donde era un nazi homofobo, castrante (y homosexual)...aqui es alguien completamente distinto, un personaje extraordinario, de esos que deseas conocer...inteligentisimo, arrogante, pintoresco....genial cooper.
Mery streep no es que sea nada feura de lo normal, auqnue esta mejor que en "Las horas", aqui sobreactua menos, y tiene algunos momentos que llaman la atención porque no se parecen a nada de lo que haya hecho antes (genial escena en la que , colocada perdida, intenta imitar el sonido de la linea del telefono, como si en ello le fuera la vida).
En resumen, pelicula extraña, a la manera de una orquidea fantasma, tan extraña, tan distinta a lo que vemos normalmente que nos sobrecoge y nos maravilla.
Si no existiera gente como Jonze o Kauffman, habria que inventarla.

Tarantino siempre ha tenido la ventaja y la desventaja de ser un fanático del cine, un devoracintas como yo mismo. La ventaja es que tiene sus propias ideas, copia de los mejores y tiene muy claro lo que quiere plasmar en sus películas. Pero esto también es una desventaja a la hora de hacer sus films, ya que es muy dificil que lo que uno tiene en la cabeza aparezca igual en la obra resultante; todos los que hemos hecho pintos en el mundo del cortometraje sabemos que el resultado suele ser un ritmo demasiado lento y que sólo nosostros captamos muchas de las cosas que hemos hecho, porque es algo demasiado personal y es dificil que el público esté en la misma frecuencia mental que el autor. También es una desventaja el copiar de los mejores, porque aunque sean los mejores no deja de ser una copia, y hoy día se agradece por encima de todo un mínimo de originalidad.
Reservoir Dogs es una película amateur hecha con muchas ganas y no pocos medios, y el resultado es un producto vacuo con ciertos destellos de genialidad.
Pulp fiction es un ejemplo de cómo hacer que una historia pobre parezca algo original y complejo; tarantino decidió montar historias paralelas y relacionadas,algo que viste mucho pero que pocos directores han sabido hacer con buen resultado (Altman, Paul Thomas Anderson, Iñarritu...). Pulp Fiction fue el espaldarazo definitivo para Tarantino, y su violencia de diseño y diálogos simplones y agresivos han sido copiados hasta la saciedad desde entonces. Pero si Reservoir Dogs tenía algunos detalles muy buenos en Pulp Fiction son algunos más (la sobredosis de Uma Thurman, la impagable escena de Christopher Walken hablando de un reloj heredado o el personaje del Sr.Lobo).
Jackie Brown fue un fiasco económico y de crítica, y en mi opinión se lo merecía; era un vehículo para el lucimiento de actores generosos (De Niro, Pam Grier, Michael Keaton, Bridget Fonda...) que al ser tan generosos acabaron siendo personajes planos y prefabricados, es decir, personajes Tarantinianos.
Tarantino se ha dedicado los últimos 7 años a escribir guiones, hacer cameos y ver muchas películas de Hong Kong, sus favoritas. Cuando uno ha leído algunas biografías de Tarantino no entendía el desfase entre el cine que prefiere al cine que había hecho...personalmente esperaba que reflejara su mundo interior basado en los fondos de videoclubs en alguna película.
Pues oh sorpresa, mi deseo se ha hecho realidad, Tarantino ha hecho la película que esperaba de él, una fantasía ultraviolenta y elegante, un homenaje merecido a los Shawn Brothers (algo evidente desde el principio de la película, con la aparición del logo de Shawn Productions, sintonía original incluída), a Bruce Lee (sólo hay que ver el mono amarillo que luce Thurman, clavado al que llevaba Bruce Lee en su película inacabada "Juego con la muerte").
Ante todo dejar claro que Tarantino sigue haciendo algunas escenas con demasiada lentitud, por lo que me inclino a pensar que es algo intencionado y no un error de principiante, no a estas alturas). Pero son pocas las escenas faltas de ritmo, la gran mayoría de la película luce una velocidad envidiable, frenética sin perder un estilazo en ningún momento.
La película es sangrienta a más no poder, muy bestia, pero desprende un halo de complicidad, de tardes de merienda ante la tele y cómic underground tan acertado que no es desagradable, salvo para personas aprehensivas y poco interesadas en lo concerniente al gore.
Es tan sangrienta que Tarantino decidió rodar algunas escenas violentas en blanco y negro para paliar el efecto de tanta sangre en pantalla. También resolvió el problema con una escena preciosa de luchas entre siluetas que para más inri le permitió ahorrarse unos milloncejos en el presupuesto.
Destacable el corto de manga que nos cuenta los comienzos del personaje de Lucy Liu, una obra maestra de la animación que huye de los ordenadores y nos regala una joya de animación artesanal muy salvaje y hermosa al mismo tiempo (bonito el detalle en este corto al incluir la melodía de la escena del baile de "Carrie" de Brian de Palma, uno de los directores favoritos de Tarantino). Y eso que a mi el manga no me interesa lo más mínimo, pero ante esta maravilla no tengo mas que ceder.
Tarantino sigue con su fijación por rescatar a antiguos iconos culturales; antes fueron John Travolta y Pam Grier, ahora David "pequeño saltamontes" Carradine y Sonny Chiba (tótem del cine de acción y artes marciales asiático, sobre todo por su mítico personaje Hattori Hanzo, que recupera en "Kill Bill"). En este primer volúmen de David Carradine solo vemos las manos y oímos su voz, pero en el segundo y último volúmen parece ser que le vamos a ver la cara prácticamente en cada fotograma.
Nunca me había fijado en Uma Thurman, lo confieso, no es mi tipo y ninguna de sus interpretaciones me ha llegado, pero en "Kill Bill" está sencillamente impresionante, peligrosa, fría y dolida (ese plano en el hospital, Thurman llorando al despertar...magnífico). Se ha metido en este personaje con todas las consecuencias, porque realiza las escenas de acción casi en su totalidad, con el consiguiente rosario de golpes, moratones y otros perjuicios.
"Kill Bill Volume I" es un punto y aparte no sólo en la carrera de Tarantino, sino en el cine en general, es una nueva forma de hacer películas, con desfachatez, independencia y sin el más mínimo asomo de prejuicios.

El que suscribe no es muy aficionado a las películas románticas, es más, me rio de las películas de amor casi en su totalidad.
Con las películas de amor pasa como con las canciones de amor, que no se las cree nadie, que son una sucesión de frases hechas, clichés, cursilerías y carnaza para quinceañeros hiperhormonados.
Pero Lost in Translation es una historia de amor y me fascina, ¿por qué?, muy sencillo, porque es una historia de verdad, no hay mas remedio que creersela. En esta película los protagonistas no son histéricos con tan poca vida como para morirse por un caso de encoñamiento agudo. No, es el caso de dos mitades que saben que necesitan juntarse, pero son personas maduras que saben también que se han encontrado en una época equivocada y, sobre todo, en el sitio menos indicado.
Y es que el sitio en Lost in Translation es un personaje más, un Tokio inmenso, frenético, marciano, una postal turística luminosa. Y la pareja se encuentra allí, lejos de su hábitat naural, y no les hace falta mucho tiempo para verse como dos supervivientes en una isla solitaria...se necesitan mutuamente pero pronto dejarán la isla y no pueden irse juntos.
Es una película de silencios, miradas, gestos, cariño, soledad, emociones contenidas...es una historia que pasa todos los días, que a muchos de nosotr@s que hayamos entrado en una edad de madurez (unos menos que otros, jeje) nos ha pasado. Todos tenemos el recuerdo de alguien que tenía que ser y no pudo ser, no valen los enamoramientos volátiles y numerosos que hemos tenido cuando éramos adolescentes dramáticos y exagerados.
A priori no me cuadraba una pareja con Bill Murray y Scarlett Johansson, primero porque entre ellos hay unos 40 años de diferencia,y luego porque no creía que entre ellos pudiera haber química. Pues bien, estoy encantado de reconocer que me equivoqué, porque la dulzura de Johansson y la ironía hastiada de Murray casan a la perfección, hay momentos en los que dan ganas que se besen de una puta vez, que se acuesten...es evidente la tensión, no tanto sexual como emocional, entre ellos.
No voy a descubrir a Bill Murray, es una de mis debilidades desde hace mucho tiempo; soy un buscador de lo utópico y siempre he soñado con que se reconozca a los grandes cómicos como grandes actores y siempre he tenido en lo más alto de mi lista de cómicos no reconocidos a Bill Murray y a Jim Carrey..a Murray le ha llegado la confirmación algo tarde, pero le ha llegado...ahora me queda Carrey, que nos ha regalado algunas interpretaciones memorables ("El show de Truman", "Man on the Moon" y "The Majestic") pero es ignorado por la crítica y por la gran mayoría del planeta. Tiempo al tiempo, a Murray le ha llegado la hora cuando se le ha blanqueado el pelo, seguro que a Carrey le llegará antes.
Y Scarlet Johansson...ayyy, que criatura, es morbo andante, tiene los mejores labios vistos en una pantalla desde que se retirara Traci Lords, la mejor mirada que he visto en mucho tiempo, y una cara que dice muchas cosas sin necesidad de moverse. Para colmo tiene un cuerpazo de los normales, es decir, no es un cuerpazo falso y superdesarollado, es el cuerpo bonito que te puedes encontrar andando por la calle. Pero bueno, Scarlett brilla por encima de su físico, nos la creemos sin problemas, la vemos como la joven acomodada, aburrida que no sabe por qué se ha casado con un payaso. Una mujer que no sabe qué va a hacer en la vida, que se enamora de un hombre mayor y demuestra el temple suficiente como para aceptar lo que no puede ser (su cara en el hombro de Murray, llorando...dios, impresionante).
Esta película es un susurro, cada uno la entenderá como le venga a bien entenderla, pero todos la disfrutamos como Scarlett disfruta el susurro de Bill...no podemos saber lo que le ha dicho, pero bueno, cada uno que entienda lo que quiera, de eso se trata.

Sorpresa ingrata, muy muy ingrata. Hay películas que se sustentan con la interpretación de su protagonista (léase "Antes que anochezca" con Javier Bardem) y bueno, si la interpretación es buena se pueden ver. "Monster" se sustenta con la interpretación de Charlize Theron, y ahí se acabó el negocio, porque la interpretación superpremiada no es que no sea buena, es que es penosa.
Confieso que soy un admirador de Theron, al principio porque me parece una de las criaturas mas cercanas a la perfección que he visto, y con el tiempo porque pienso que es una actriz muy competente, algo evidente en "Las normas de la casa de la sidra", "La maldición del escorpión de Jade" o "La leyenda de Bagger Vance" (triste ejemplo de película en la que lo único salvable es una secundaria).
Precisamente por ser admirador me ha decepcionado más si cabe el trabajo de Theron en esta película, porque me da pena ver cómo el papel le viene muy grande y ella, con ahinco y evidente esfuerzo, hacerlo creíble con muecas, gritos y otros recursos histriónicos.
La película intenta alejarse del biopic de asesino en serie para ofrecer una historia de amor enfermiza y condenada al final triste. La historia de amor no funciona porque Theron parece estar en una película diferente de Christina Ricci, que sí entra en su personaje, lo hace real y hace mas evidentes las carencias de Theron, que se decanta por ser un macho atormentado más que por ser una mujer enamorada e inmersa en la psicosis.
Resumiendo, Pattsi Jenkins demuestra que lo suyo serán los telefilmes para Antena 3, que no domina el ritmo narrativo, no consigue una mínima linealidad y, por supuesto, no consigue dirigir a sus actrices, porque Theron está desbocada y Ricci va a su bola, porque tiene demasiado talento y no se conforma con formar parte del pastiche que nos presentan.

Es la sorpresa grata. No tenía la mínima intención de verla, esperaba otro producto en serie a mayor gloria de Crichton, Grisham, etc...Tuve suficiente en su día con el timo de La tapadera, que siendo un timo era para mí la más interesante adatación de un libro de Grisham, pese a Cruise y su total dependencia de el montaje, sobre todo en la parte final.
En el caso de Crichton el nivel sube algo, no mucho, pero algo sí. La siempre reivindicable "La amenaza de Andrómeda" es su mejor adaptación y una buena muestra de cine agradable y entrañable. Correcta "Coma" y comerciales las adaptaciones de sus desvaríos sobre dinosaurios, si bien eran entretenidos, algo muy reseñable hoy dia, ya que "comercial" y "entretenido" son dos palabros en evidentes trámites de divorcio (véase ESDLA, Harry Potter y productos parecidos).
El libro en el que se basa "El jurado" trataba el tema del tráfico de drogas a gran escala, pero la película sustituye drogas por armas, un cambio atrevido, oportuno y que personalmente me convenció para ir al cine.
Es una película que luce un ritmo que se mantiene durante todo el metraje, si bien el principio pasa por momentos de ágil a mareante, pero se le perdona. Es innegable la influencia de "doce del patíbulo", aunque no estamos ante otro desastroso remake, sino ante un homenaje frenético, interesante y que solamente se desluce por el inevitable toquecito pariótico, en ocasiones satírico y muy divertido (muy recomendable la escena con la sala entera de pie ante la bandera, corazón en mano...que risa).
Cusack está muy bien, como casi siempre, aunque demasiado me-la-suda-todo-soy-un-joven-moderno como casi siempre; siempre da calidad al conjunto con su saber hacer, un gran actor que necesita más balas sobre broadway o mas alta fidelidad para dejar clarito que es uno de los grandes.
Le acompaña con oficio la guapa Rachel Weisz, muy segura en sus miradas, sin aspavientos, y desvalida e inocente cara a cara con Hackman, puede que fuera Weisz la que se cagaba ante Hackman, pero resulta que su personaje se debía cagar ante el personaje de Hackman, así que todos contentos.
Hackman ha llegado a un momento en el que, como Caine, le basta con salir en pantalla para que la gente diga lo bueno que es; vale, eso se lo han ganado y realmente son buenos, pero no me gusta que gente así se limite a vivir de las rentas, y es lo que me parece que hace Hackman en esta película. Parece que se pasea por el rodaje haciendo una caricatura de malo maloso, tiene sus escenas, sus miradas, pero hasta un reloj averiado da bien la hora dos veces al día.
Lo de Hoffman es divertido, porque cada día se esfuerza en darme la razón cuando digo que era una gran promesa cuando protagonizó "El graduado" (por cierto, en esa época él y Hackman eran dos jovenes compañeros de piso) y que se quedó en eso, en promesa. No sé por qué cuando se habla de los mejores actores desde Brando se nombra a De Niro, Pacino, Nicholson y Hoffman...no lo entiendo porque pienso que De Niro está muy por encima de los otros tres, Pacino ha empeorado en los, digamos, últimos 15 años, Nicholson ha estado bien en "Alguien voló sobre el nido del cuco", "A propósito de Schmidt" y gracias...pero Hoffman, joder, Hoffman no ha hecho uan interpretación redonda nunca, es un actor correcto, que como secundario podría haber tenido una carrera reseñable, pero como estrella ha sido un quiero y no puedo.
En definitiva, una película de juicios, thriller con final sorprendente...la típica película que no te hace llorar por los 5'80 euros que pagas por verla. Una buena forma de pasar dos horas.